Reseña: David Hammons es uno de nuestros mejores artistas vivos. Un nuevo documental absorbente explica por qué

En el arte más cautivador de David Hammons, la aparente sencillez supone una aguda sofisticación. Es como una muñeca matryoshka sobrealimentada, con cada capa que se despega para revelar y fertilizar otra capa, y otra, y otra, y otra, hasta que el espectador está mareado por el cansancio, a la vez encantador y castigador.

La vida negra en una sociedad dominada por blancos ha sido el enfoque de Hammons durante más de medio siglo, al menos desde el fatídico año de 1968. Fue entonces cuando se inscribió en lo que ahora se llama Otis College of Art and Design para trabajar con el artista Charles White. , cuando la escuela estaba al borde del parque MacArthur de Los Ángeles (el que entonces se derretía en la oscuridad, todo el dulce glaseado verde fluía hacia abajo). Hoy, a los 79 años, Hammons se encuentra entre nuestros mejores artistas vivos. Su trabajo es nada menos que una piedra de toque cultural para desarrollos críticos en el centro del arte y la vida estadounidenses.

Una película documental sobre un artista vivo es especialmente difícil de hacer cuando el sujeto no participará, incluso si no se sienta para una entrevista. Esa es una de las razones por las que "The Melt Goes on Forever: The Art & Times of David Hammons" es digno de mención. La película es absorbente de todos modos, menos las reflexiones retrospectivas del artista, gracias a las contribuciones de muchos artistas inteligentes y observadores y otros.

Hammons aparece de vez en cuando en raras imágenes documentales, lo que solo se suma a una sensación distanciada de desprecio por las normas que ha sido fundamental para su estética. Eso incluye la indiferencia general hacia el clamor actual por la celebridad que impulsa tanta cultura contemporánea.

Seguramente los bien establecidos codirectores de la película (Judd Tully, escritor de arte de Nueva York desde hace mucho tiempo, y Harold Crooks, un cineasta canadiense galardonado) asumieron antes de comenzar que tendrían que prescindir de la contribución directa del artista a su proyecto de 2022. documental. (Finalmente llega el viernes a Los Ángeles en el Laemmle Monica Film Center, saltando a Amazon y Apple TV el 5 de julio). Hammons es famoso por ser escurridizo. Lo conocí solo una vez, en 1991, cuando estaba terminando algunos detalles menores en la instalación de una excelente encuesta de mitad de carrera en el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego. Era simpático, intercambiamos cumplidos y se fue. El espectáculo, por otro lado, habló con una elocuencia deslumbrante, a veces extrañamente confusa.

El hecho de que sucediera en el enclave súper rico, casi en su totalidad blanco, de La Jolla puso todo en un alto relieve deslumbrante. Por ejemplo, un aro de baloncesto de 1991 hecho con una caja de plástico para leche sobre un poste tachonado con tapas de botellas, como un bastón ceremonial, se convirtió en un símbolo aspiracional discordante para un posible escape de la pobreza. Un relieve de pared ondulado y elegantemente adornado de 1982 se hizo con bolsas de papel marrón aplanadas untadas con grasa de pollo y salpicadas de pelo negro (título: "Bag Lady in Flight").

Saludando a los visitantes en la entrada, y narrada de manera incisiva en la película, estaba la impactante instalación de 1988 "¿Cómo te gusto ahora?" Los restos maltratados de una valla publicitaria de Hammons presentan una imagen de Jesse Jackson con la cara blanca, rubia y de ojos azules, que el artista erigió originalmente en la calle frente a la Galería Nacional de Retratos, nuestro salón oficial para celebrar los logros de los ciudadanos, pero un museo donde los rostros negros están en gran parte ausentes.

La resistencia, a veces en forma de burla descarada, es un motor operativo para el arte de Hammons. Resistencia a las demandas de la sociedad blanca. Resistencia a los materiales del arte convencional (sus esculturas han sido realizadas a partir de sartenes, piedras, pelo de barbería, huesos de pollo, abrigos de piel y nieve.) Resistencia al molino de las relaciones públicas. Resistencia a la expectativa y fácil comprensión.

Hammons se mudó a Harlem en 1974, un lugar rico en ruinas, dijo, como Roma, pero fueron fundamentales para su desarrollo los seis años anteriores que pasó en Los Ángeles (nació en Springfield, Illinois, en 1943, y se unió a la Gran Migración). En Otis, el realismo social imperturbable encarnado en los dibujos monumentales de White fue esencial. (Cuando Hammons se mudó a Nueva York, el poeta del centro Steve Cannon asumiría el papel de mentor de White). Cerca, en los edificios Granada en Lafayette Park Place, la Galería 32 de la artista Suzanne Jackson ofrecía una comunidad para los artistas negros. Entre las más de 30 personas entrevistadas para el documental, Jackson (ella misma ex alumna blanca) y la historiadora del arte Kellie Jones, quien organizó la decisiva exposición UCLA Hammer de 2011 "Now Dig This! Art and Black Los Angeles, 1960-1980", están dos de las voces más penetrantes.

Quizás el punto más destacado del documental, y uno que puede ser difícil de comprender, es la relación entre el arte de Hammons y el de Marcel Duchamp (1887-1968). El trabajo del dadaísta francés fue la plataforma sobre la que se construyeron el arte pop y conceptual a finales de los años 50 y 60, y la concepción de Duchamp del "readymade" fue su corazón palpitante.

En la cultura industrial moderna, la clara distinción entre una obra de arte y un objeto fabricado a máquina, algo ya hecho, se volvió borrosa. Duchamp propuso que un estante de metal para secar botellas de vino usadas en un café, una pala de nieve ordinaria de una ferretería o un simple urinario de baño podrían cumplir una doble función como esculturas. Lo que importaba era cómo los miraba el espectador, y maniobrar ese ángulo de visión hacia un punto de vista inesperado era el trabajo del artista.

Hammons miró a Duchamp, miró la vida de los negros estadounidenses, miró cómo la gente blanca del arte miraba a Duchamp y a los negros estadounidenses, y miró con recelo. Su trabajo pronto infundió el espectro de la mortalidad en el floreciente legado de los juegos de palabras artísticos duchampianos.

¿Ese botellero de café burgués? Varias docenas de botellas de vino vacías, que equivalían a los restos borrachos de un abandonado, estaban pegadas en un lazo que sostiene un balde maltrecho en alto. La escultura de Hammons ofrece un marco de referencia elegantemente redimido para un alma perdida sin hogar empapada en vino barato y que probablemente "pateará el balde" en la calle, como él lo tituló.

¿El orinal de baño volcado de Duchamp? Hammons ejecutó una acción callejera de un solo hombre al hacer sus necesidades en público contra una prominente escultura bruta de gigantescas paredes de acero de Richard Serra. (Intervino un policía.) Cerca de la entrada de una estación de metro en una isla con mucho tráfico, el gesto transformó una función privada acomodada por el objeto encontrado de Duchamp en un acto social desesperado, que Hammons tituló "Cabreado".

"Soy el director ejecutivo del DOC, la Clínica ambulatoria de Duchamp", bromeó una vez Hammons. El documental señala que el obstáculo conceptual de su arte, que es cualquier cosa menos cómico, es que el último ready-made es la persona negra esclavizada: una persona de carne y hueso industrializada, despojada del milagro ordinario de la naturaleza, convertida en un "objeto encontrado" deshumanizado. "

En ninguna parte es más evidente esa crueldad que en una obra ahora legendaria a la que se hace referencia en el título astutamente elegido de la película, "The Melt Goes on Forever". Las bolas de nieve son la pieza central. Tangencialmente relacionado con la pala de nieve de Duchamp, que el francés tituló ingeniosamente "Antes de un brazo roto", Hammons instaló su obra en una acera invernal de East Village cerca de la esquina de Cooper Square y Astor Place en 1983. La codicia de la era racista de Reagan- es-buena maldad económica se estaba desarrollando rápidamente. "Bliz-aard Ball Sale I" evocaba una pronunciación altanera, conscientemente pretenciosa, forzada por la ortografía de bliz-aard, para hablar de hombres y mujeres destrozados.

La pieza consistía en bolas de nieve ordinarias en tamaños graduados que Hammons extendía sobre una manta y ofrecía a la venta a precios escalonados, según el tamaño. Formó una "galería de esculturas" nominal con objetos Postminimal hechos a mano por un artista. La matriz ocupó su lugar en medio de otras mantas que mostraban mercancía callejera en modo de supervivencia (libros de bolsillo usados, bolsos de diseñador de imitación, chatarra maltratada) que vendían personas en circunstancias extremas. Los transeúntes desconcertados no sabían muy bien qué hacer con todas esas esferas blancas y nítidas que formaban un arsenal de diversión. Un sonido discordante de crueldad y alegría cohabitan en una sola obra.

La acción de la calle de la bola de nieve, no anunciada por comunicado de prensa u otro aviso en ese momento, se conoce principalmente hoy en día a través de fotografías documentales tomadas por el amigo de Hammons, el artista Dawoud Bey. (Con la también artista Carrie Mae Weems, el trabajo de Bey es el tema de una exhibición de fotografía actual en el Museo J. Paul Getty, hasta el 9 de julio; una encuesta individual también se encuentra en la Galería Sean Kelly en Hollywood, hasta el 30 de junio). La película agrega una animación radiante de Tynesha Foreman. Un espectador desconcertado que pasó ese día es ahora un ex presidente de Art Dealers Assn. de América; el documental relata su quijotesco intento años después, después de que el artista fuera una figura internacional, de comprar una efímera bola de nieve Hammons por un millón de dólares.

No habrá ningún spoiler aquí para esa historia alucinante y sus inesperados giros y vueltas. Pero enmarca la narrativa más amplia de un artista negro supremamente dotado, moviéndose a través de un mundo del arte dominado por blancos inundado de montones de dinero cada vez más grandes, como una historia de humanidad brutalizada por transacciones económicas pétreas. En eso, "The Melt Goes on Forever: The Art & Times of David Hammons" reverbera contra los pecados fundacionales de la historia de EE. UU., que siguen siendo dolorosamente operativos en la actualidad.

Esta historia apareció originalmente en Los Angeles Times.